En el Estudio de un artista se experimenta mejor

El estudio de un artista, ese espacio donde se manifiestan las ideas surgidas en la encrucijada de su mente. Un lugar lleno de magia creativa donde se descubren los entresijos de su obra.  Un momento fascinante que sabe a poco cuando es el artista quien te proporciona todos los detalles que surgen de su alma imaginativa, es entonces cuando puedes adentrarte en su trabajo y disfrutarlo en primera fila.

Así fue como me sentí cuando visité la inauguración de la apertura al publico de Rougue Artists Studios en Manchester, una antigua fábrica del siglo XIX, que parece no haber perdido su función productiva, adaptada para albergar los estudios de numerosos artistas actuales.

 Tuve el gusto de conocer 4 plantas de espacios expositivos donde el mismo artista había preparado su pequeña muestra en su propio taller. 

Algunos artistas de los que pude disfrutar:

Susie Macmurray 

 www.mikechavezdawson.com

Tied Hairnets no 2  (2014).  Ink on paper.  152cm x 121cm

Mike Chavez-Dowson

 www.mikechavezdawson.com

‘Duchamp's Ring by Mike Chavez-Dawson, 2013' 6Hcm x 3.5Wcm x  4Dcm, Solid Silver Ring, Cast Resin, Enamel Paint, Varnish, Yellow Leatherette Ring Box.

Jen Orpin 

https://www.facebook.com/jenorpinpaintings

Descubre más artistas aquí: http://www.rogueartistsstudios.co.uk

MARTES DE ARTE: Expresionismo abstracto 1ª PARTE

El alma humana ya no es la misma después de dos guerras mundiales. El horror se plasma en la mutilación de las formas. Esto es lo que se llamaría abstracción lírica, la expresión de la emoción pictórica del artista, individual e inmediata. Rechazan representar la realidad de forma objetiva. Se podía decir que el hombre va a conocer su alma a través de un objeto y ésta se reconoce en el color , el dibujo, la tachadura, el grabado,el arabesco... y no en la forma misma.

Londres 1940.

Paul Klee, en 1915 anotaba en su diario:

 “cuánto más espantoso es el mundo, más abstracto es el Arte”. Es decir, es más difícil hacer algo figurativo de los desastres.

Goethe dice: 

“todas las épocas muestran tendencias objetivas, mientras que los progresos siempre son subjetivos”.

Rothko dice:

 “ninguno de nosotros podía emplear figuras sin mutilarlas”. 

En los años 40 y sobre todo después de la 2ª Guerra Mundial, Estados Unidos toma el relevo mundial de Europa, quien cae en la órbita de Estados Unidos. La capitalidad cultural y artística que hasta hace poco había estado en París, pasa ahora a Nueva York.

heredar el espíritu de vanguardia y sus técnicas de producción. Desde los años 20 las vanguardias perdían importancia y parecían que habían agotado su vena creativa.

El surrealismo se va a extender en los años 30 y 40 por toda Europa y por Estados Unidos. Esa ocupación nazi en Francia hace que muchos artistas huyan de Francia y se instalen en Nueva York, donde son muy aceptados por la sociedad y los artistas norteamericanos. El surrealismo es también un Estado de espíritu.

De entre las muchas influencias que recibe el expresionismo abstracto se encuentra el Automatismo gráfico del Surrealismo llamado “pintura gestual” o “pintura de acción”. El Automatismo huía de la razón y articulaba técnicas creativas.

En el seno del surrealismo se creó un debate para ver si ese automatismo se podía aplicar en la pintura. Había autores que sí lo pensaba y otros que no. André Bretón identificó 2 tendencias dentro del Surrealismo:

1. Automatismo gráfico: es una forma de pintar que intenta huir de la razón y que tiene de autónomo que se deja vagar la mano por el lienzo sin una idea pictórica preconcebida, y ésta da lugar al producto de un modo de pensar espontáneo, donde el sorprendido es el propio pintor. El pintor más cercano a este método es André Masón, y en España Joan Miró. El resultado se retoca porque sino no se entiende nada.
2. Automatismo simbólico: pintura figurativa pero con temas que no se ajustan a la realidad. No tiene una configuración automática, pero lo que se considera automático es lo simbólico. Un ejemplo de ello es Salvador Dalí.

Lo que va a influir en la pintura gestual es el automatismo gráfico de los pintores surrealistas. Junto a ello hay otra característica del Expresionismo Abstracto en la que pudo influir la pintura del holandés Hans Hoffmann, porque es uno de los inventores del “Dripping” (goteo), 

 y porque hablaba de la necesidad de hacer una pintura que ponga de manifiesto su carácter plano, no dan ilusión de profundidad. Este discurso de plenitud del lienzo es uno de los ejes de explicación de la pintura del S.XX.

Spring, 1944. óleo sobre lienzo.

También encontramos influencias del Arte Indio-Americano y de las teorías analíticas de Jung. Para Jung la creatividad es algo inherente en el hombre.

El Expresionismo Abstracto no es un movimiento que naciera de la reunión voluntaria de algunos artistas (como los grupos vanguardistas), sino que es el arte practicado por los artistas de Nueva York que comparten ciertos intereses y una cierta actitud creativa, vital y política. Son artistas con técnicas y convicciones semejantes. Entienden que el artista sólo por ser tal, está en rebeldía con la sociedad. Para Dar Ashton una característica es que "el artista siempre va a la contra".

Otra de las característica del Expresionismo Abstracto es que les unía un carácter trágico. En principio la crítica les atacó, por lo que se unieron contra la crítica en reuniones como “Los irascibles”. Realizaban manifiestos como “queremos volver a la pintura plana” o “estamos a favor de las formas planas porque destruyen la ilusión de profundidad y revelan la verdad de la pintura”.

"Los Irascibles". Nina Leen (photographer), November 24, 1950, Time Life Pictures/Getty Images
Front row: Theodoros Stamos, Jimmy Ernst, Barnett Newman, James Brooks, Mark Rothko; middle row: Richard Pousette-Dart, William Baziotes, Jackson Pollock, Clyfford Still, Robert Motherwell, Bradley Walker Tomlin; back row: Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, Hedda Sterne

Es producto de una técnica llamada “All over painting”: toda la superficie pictórica está homogéneamente cubierta, es decir, que no haya partes del lienzo que atraigan más nuestra atención que otras. Mondrian es el máximo representante de esta tendencia.

También podemos observar el uso generalizado de grandes formatos. Pollock usa gigantescos formatos y esto se debe en parte a que muchos de los artistas durante los años 30, tras la caída de la bolsa en su recuperación estatal, se habían formado con los muralistas mejicanos como Rivera, con alto contenido político. Los pintores del expresionismo abstracto fueron utilizados por América para tener un arte vanguardista.

Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central 1947-1948. Fresco sobre paneles transportables. 4.8 x 15 m. Museo Mural Diego Rivera. Ciudad de México.

Algo que llama la atención en el Expresionismo Abstracto es esta gran escala (muros) que hace que el espectador se envuelva y se produce la intimidación 100% de la obra con el espectador. El Expresionismo Abstracto está dentro de la línea romántica del arte. Una pintura gestual que recorre el lienzo sin una idea preconcebida. 

Gorky se convierte en uno de los primeros artistas que recurrió al Automatismo gráfico. En los años 30 deriva su pintura de la de Cezanne o Seurat, entre otros. Esa técnica durante los años 40 dió lugar a cuadros como este:

Los esponsales 1947. Arshile Gorky. Óleo sobre lienzo. 128,9 x 101,6 cm. Yale University Art Gallery. New Haven.Los esponsales (1947)

Es un ejemplo claro del estilo gestual que da lugar a una abstracción biomórfica. Las formas guardan semejanza con objetos reales; prácticamente las formas de Gorky parecen órganos.  Hay tanto formas puntiagudas (masculinas) como formas redondeadas y pulidas (femeninas). Desde el punto de vista formal, se percibe la forma gestual de la mano que lleva a una disociación tanto de la línea como del color. La línea es un garabato cercano a la espontaneidad quedando abiertas e incompletas.

Continuará...

HALF PAINTED WALL

Dejar a medio pintar una pared no tiene porque quedar mal. Se ha implantado una nueva tendencia, y queremos mostrártela. Se aplica la pintura a media altura dejando un zócalo alto que amplifica espacios y hace destacar los elementos de manera muy sutil. No solo la pared se queda a medias también los muebles, ya estamos preparando el showroom  para que veas como se aplica el half paint por completo. Una pincelada delicada y práctica que querrás probar en cuanto veas algunos acabados. Atrévete y muéstranoslo.

Liz Rome, ilustración.

Jenny Liz Rome. Ilustradora afincada en Canada. Jenny comenzó su carrera artística en OCADU en 2005, y se graduó en la BFA en 2009. Desde entonces,  ha estado experimentando con multitud de proyectos. Se ha interesado por evolucionar en las imágenes postsurrealistas combinando modos clásicos y modernos de creación. Temas de la feminidad, la naturaleza salvaje y la moda surrealista pueden encontrarse en su trabajo.

Conoce su trabajo entrando en su portfolio:
http://cargocollective.com/JennyLizRome

Hope Gangloff

Hope Gangloff,  artista que busca inspiración en los momentos más íntimos, en la relación con su círculo de amigos, en su mayoría también artistas, evocando el estilo figurativo de Egon Schiele. La palidez de sus rostros, el ambiente relajado a modo de instantánea y su trazo inquieto nos transporta a principios del siglo XX, paradójicamente plasmando situaciones de la realidad actual.

                             Minnewaska Lodge, 2011

  Polish Springs and Things, 2011

 Blaze-N- Hot Sauce, 2009

                            Study of Olga Alexandrovskaya, 2012

  Mike And Chris, ilustración para The New Yorker

Hope Gangloff estudió arte en The Cooper Union, afamada escuela pública neoyorkina fundada en 1859 con un claro espíritu social (se implicó directamente, de hecho, en la campaña antiprivatización que antiguos alumnos y estudiantes llevaron a cabo) y de la que mantiene como amigos y por tanto como fuente de inspiración a compañeros, que iniciaban con ella con su recorrido artístico, desde entonces vinculado a los grandes formatos como uno de los rasgos que no abandonaría.

Su sistema de trabajo es claro y directo: nunca usa fotografías; invita a sus amigos a pasar varios días en su casa y los sienta durante horas. Cuando comienza una pintura, dice, no sabe exactamente lo que está haciendo ni lo que va a ocurrir, pero combina la necesidad de hacer que su retratado se relaje con un cálculo meticuloso y una observación extremadamente detallista. Se caracteriza por cierta deformación y monumentalización de partes del cuerpo, especialmente las manos, y la riqueza de los tejidos coloridos y el gusto por los patrones.

Conoce el conjunto de su obra:  

http://www.hopegangloff.com/drawings.html

Katharine Morling

Katharine Morling. Graduada en la Royal College of Art, en la especialidad de Cerámica y Vidrio. La artista utiliza la primera como medio de expresión artística y se ha ganado con ello un merecido reconocimiento internacional. Ella hace así su declaración artística: 

“Cada pieza es un objeto inanimado, al que le he dado capas de emoción y se ha encajado con historias, que están abiertas a la interpretación del espectador. Cuando se combinan y se juntan, estas piezas se convierten en bodegones de objetos cotidianos… lo inesperado de la escala crea una experiencia un poco surrealista. Trabajo de forma muy instintiva, una pieza lleva a la siguiente y trato de no precisar lo que estoy haciendo ni por qué. 

Mi búsqueda nunca es completa; cada pieza es un viaje en busca de respuestas que sólo se insinúan con más preguntas.”

+info: http://katharinemorling.co.uk/
Vía: http://lamonomagazine.com