En el Estudio de un artista se experimenta mejor

El estudio de un artista, ese espacio donde se manifiestan las ideas surgidas en la encrucijada de su mente. Un lugar lleno de magia creativa donde se descubren los entresijos de su obra.  Un momento fascinante que sabe a poco cuando es el artista quien te proporciona todos los detalles que surgen de su alma imaginativa, es entonces cuando puedes adentrarte en su trabajo y disfrutarlo en primera fila.

Así fue como me sentí cuando visité la inauguración de la apertura al publico de Rougue Artists Studios en Manchester, una antigua fábrica del siglo XIX, que parece no haber perdido su función productiva, adaptada para albergar los estudios de numerosos artistas actuales.

 Tuve el gusto de conocer 4 plantas de espacios expositivos donde el mismo artista había preparado su pequeña muestra en su propio taller. 

Algunos artistas de los que pude disfrutar:

Susie Macmurray 

 www.mikechavezdawson.com

Tied Hairnets no 2  (2014).  Ink on paper.  152cm x 121cm

Mike Chavez-Dowson

 www.mikechavezdawson.com

‘Duchamp's Ring by Mike Chavez-Dawson, 2013' 6Hcm x 3.5Wcm x  4Dcm, Solid Silver Ring, Cast Resin, Enamel Paint, Varnish, Yellow Leatherette Ring Box.

Jen Orpin 

https://www.facebook.com/jenorpinpaintings

Descubre más artistas aquí: http://www.rogueartistsstudios.co.uk

Hope Gangloff

Hope Gangloff,  artista que busca inspiración en los momentos más íntimos, en la relación con su círculo de amigos, en su mayoría también artistas, evocando el estilo figurativo de Egon Schiele. La palidez de sus rostros, el ambiente relajado a modo de instantánea y su trazo inquieto nos transporta a principios del siglo XX, paradójicamente plasmando situaciones de la realidad actual.

                             Minnewaska Lodge, 2011

  Polish Springs and Things, 2011

 Blaze-N- Hot Sauce, 2009

                            Study of Olga Alexandrovskaya, 2012

  Mike And Chris, ilustración para The New Yorker

Hope Gangloff estudió arte en The Cooper Union, afamada escuela pública neoyorkina fundada en 1859 con un claro espíritu social (se implicó directamente, de hecho, en la campaña antiprivatización que antiguos alumnos y estudiantes llevaron a cabo) y de la que mantiene como amigos y por tanto como fuente de inspiración a compañeros, que iniciaban con ella con su recorrido artístico, desde entonces vinculado a los grandes formatos como uno de los rasgos que no abandonaría.

Su sistema de trabajo es claro y directo: nunca usa fotografías; invita a sus amigos a pasar varios días en su casa y los sienta durante horas. Cuando comienza una pintura, dice, no sabe exactamente lo que está haciendo ni lo que va a ocurrir, pero combina la necesidad de hacer que su retratado se relaje con un cálculo meticuloso y una observación extremadamente detallista. Se caracteriza por cierta deformación y monumentalización de partes del cuerpo, especialmente las manos, y la riqueza de los tejidos coloridos y el gusto por los patrones.

Conoce el conjunto de su obra:  

http://www.hopegangloff.com/drawings.html

Origen de los museos

Con nuestro showroom pretendemos despertar a la musas y en honor a ellas vamos a introducirnos en el ámbito de los museos y su origen, puesto que fueron las causantes de todo.

En su origen, un museo era un templo de musas, un lugar sagrado que ellas frecuentaban, y no hay que olvidar que, en su origen, las musas eran las diosas de la memoria. Más tarde, en la época de la dinastía Ptolemaica, Ptolomeo Filadelfo mandó construir en Alejandría un edificio al que llamó Museo (otras fuentes aseguran que su fundador fue Ptolomeo I Sóter, padre del anterior). Estaba dedicado al desarrollo de todas las ciencias y servía además para las tertulias de los literatos y sabios que vivían allí, bajo el patrocinio del Estado. En aquel museo se fue formando poco a poco una importante biblioteca.

Los escritores latinos señalan la existencia de un significado adicional de "museo". Todo parece indicar que así llamaban en la antigüedad romana a unas grutas con unas características especiales, y que, situadas dentro de las villas, sus propietarios las utilizaban para retirarse a meditar.

Las Musas con Apolo Musageta. Baldassarre Peruzzi.

Mundo antiguo

El primer mouseion, fundado alrededor del 290 a.C. en Alejandría (Egipto) por Tolomeo I Sóter, era un gran edificio donde se reunían los sabios y eruditos que eran mantenidos por el Estado. Disponían de un comedor, sala de lectura, claustro, jardín botánico, parque zoológico, observatorio astronómico y biblioteca (la famosa Biblioteca de Alejandría). 

También albergaba y se usaban para la enseñanza objetos como instrumentos quirúrgicos y astronómicos, pieles de animales, colmillos de elefantes y bustos. El museo y la mayor parte de su biblioteca fueron destruidos hacia el año 270 durante unos enfrentamientos civiles.

En los templos de la antigua Grecia abundaban las estatuas, jarrones, las pinturas y adornos de bronce, oro y plata, dedicados a los dioses; algunas de estas obras se exhibían también para el disfrute del público. Del mismo modo, también en los templos de la antigua Roma (así como en los foros, los jardines, los baños y los teatros) se podían contemplar obras de arte. En las villas de generales y estadistas se exhibían para el goce privado las obras artísticas y el botín capturado en las guerras. El emperador Adriano fue incluso más lejos al reproducir en su villa algunos de los lugares y famosas construcciones que había visto en Grecia y Egipto। De hecho, la Villa Adriana se puede considerar precursora de los museos al aire libre de la actualidad.

Edad media

Durante la edad media, las iglesias y los monasterios de Europa conservaban valiosas joyas, estatuas, manuscritos y reliquias de los santos. A comienzos del siglo XII, se añadieron numerosos objetos procedentes de la presencia occidental en Oriente Próximo durante las Cruzadas, que se exhibían en algunas ocasiones। Las joyas y el oro también sirvieron como reserva para ser empeñados en tiempo de guerra. Así, el tesoro de la catedral de Notre Dame de Reims aumentaba o disminuía con arreglo a la suerte militar de Francia.

Galerías y gabinetes

En el siglo XVII era habitual exhibir esculturas y pinturas sobre caballetes en los largos salones o galerías de los palacios y residencias de los más poderosos. Por esta razón comenzó a utilizarse el término galería de arte para referirse a un lugar donde estas obras se hallan colgadas o dispuestas para disfrute de propios y extraños. Las colecciones de objetos artísticos o curiosidades naturales más pequeñas se guardaban en gabinetes (en italiano, gabinetto, en alemán, Kabinett; ambos derivados del latín cavea, ‘sitio hueco’ o ‘cueva’). 

Gabinete de Curiosidades de Cornelis van der Geest, en Amberes, especializado en obras de arte y plasmado por el pintor Van  Haecht, maestro de Rubens

El gabinete era en principio una pieza del mobiliario donde se guardaban por seguridad los pequeños objetos de valor. Más tarde esta palabra pasó a designar una habitación pequeña con la misma finalidad. Las primeras vitrinas se formaron en Italia, extendiéndose hacia el norte en el siglo XVII y se volvieron habituales en toda Europa durante el siglo XVIII gracias a la prosperidad económica y comercial de la época, que facilitaba el comercio de piezas artísticas. De vez en cuando se permitía visitar estos gabinetes a los viajeros distinguidos, y poco a poco, en los siglos XVII y XVIII se fueron abriendo para el público.

Al siglo XVIII pertenecen diversos museos de Madrid (España), como el de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (que cuenta con importantes colecciones de arte egipcio, chino y persa que conviven con amplias muestras de arte religioso del siglo XVII y con las planchas de diversas series de grabados de Francisco de Goya y Lucientes). A esa misma época se remonta la sede del Museo del Prado, considerada por numerosos expertos como la primera pinacoteca del mundo (con gran abundancia de obras de Rubens, El Bosco, Teniers, los Brueghel, Velázquez, Murillo, Alberto Durero, Tiziano, Veronés, Lucas Cranach, El Greco, José Ribera, Goya, José Madrazo o Darío de Regoyos, entre muchos otros grandes artistas universales)

Museo del Prado, diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en 1785, como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de Carlos III. No obstante, el destino final de esta construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando VII, impulsado por su esposa la reina María Isabel de Braganza, tomó la decisión de destinar este edificio a la creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas

ANTONIO SAURA

Retrato imaginario de Goya, 1985. Técnica mixta sobre papel. 81x121cm.Guggenheim Bilbao Museo

Antonio Saura quedó estética y emocionalmente impresionado desde su juventud por la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya, dos de los más grandes maestros españoles. Pero como pintor y testigo del clima político y cultural represivo en la España de principios de los cincuenta del siglo XX, percibía que tan grandioso legado debía serle arrebatado a la cultura franquista, que lo estaba colocando en una posición opuesta al Arte Informal europeo contemporáneo. 

Karl-Johann Strasse II, 1997. Óleo sobre lienzo. 200x400 cm. 

Guggenheim Bilbao Museo

Paradójicamente, fue al someter este maravilloso legado español a las formas de pintar novedosas y más radicales cuando Saura logró liberarlo y concederle una nueva y poderosa vida: adoptó la pintura gestual asociada al Arte Informal y a la Pintura de Acción americana y la aplicó a la figura y a los temas españoles tradicionales. 

Goya y Lucientes, Francisco de. Perro semihundido, 1820-1823. Óleo, pintura mural trasladada a lienzo. 131 x 79 cm. Museo Nacional del Prado.

Tras un breve período en París en la década de 1950, durante el cual se relacionó fugazmente con los surrealistas, Saura volvió a España y fundó el grupo El Paso (1957–60), que en su obra y en su publicación epónima promovía las novedosas formas de pintar que se estaban desarrollando en Europa y en Estados Unidos (Saura fue uno de los primeros defensores de Jackson Pollock en España). 

Durante este período, Saura limitó su paleta al blanco y al negro y comenzó el conjunto de temas que ocuparían gran parte del resto de su carrera artística, que incluyen las "Crucifixiones", "Mujeres", "Desnudos", "Multitudes", "Retratos" y "Retratos imaginarios" (estos últimos retratan a figuras españolas históricas como Goya y Felipe II). Saura era muy versátil: además de la pintura, realizó grabados, ilustró libros, diseñó escenarios y fue un escritor prolífico.

Vía: www.guggenheim-bilbao.es

Pájaros rockeros

El mundo de la naturaleza nunca deja de asombrarme. Tampoco el del arte contemporáneo.

Es el caso de una divertida pieza artística concebida por el músico, compositor y artista francésCéleste Boursier-Mougenot. Expuesta en centros tan relevantes como el Barbican Art Gallery de Londres, consiste básicamente en repartir varias guitarras eléctricas del famoso modelo Gibson Les Paul por una sala de la galería habilitada como gran jaula aviar. Conectados los aparatos, se sueltan en ella 40 pájaros que, volando en grupos o en solitario, se posan a su antojo sobre las cuerdas de los instrumentos arrancando de ellos asombrosas melodías.

Sin duda se trata de una pieza de lo más interactiva, donde decenas de diamantes mandarines, esos populares pájaros australianos de jaula y reclamo machacón, interpretan sin saberlo (y sin molestarles) una moderna música que ellos mismos crean con sus intranquilos movimientos.

Uno de estos pájaros se empeña incluso en construir un nido en el hueco del instrumento, logrando hacer con una ramita un punteo alucinante que haría enrojecer de envidia a los guitarristas más bregados de nuestro panorama musical.

Sube el volumen del ordenador, mira el vídeo y opina por ti mismo. ¿Quién hace arte? ¿El artista o el pájaro?

Vía: http://blogs.20minutos.es/

SHEILA PAZOS

Sheila Pazos es una joven artista de origen suizo afincada en Galicia. Centrada en la vida urbana presenta una obra original en formato fotográfico principalmente pero sin dejar a un lado otras disciplinas como la performance y la pintura.

LOVE

Robert Clark (n. New Castle, Indiana; 13 de septiembre de 1928), más conocido como Robert Indiana, es un artista estadounidense asociado con el movimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son las series realizadas con la palabra LOVE. Indiana también ha trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.
Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con los colores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vida estadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad de dicho país.

La serie de carteles, serigrafías y esculturas basadas en la palabra LOVE han sido las que le han dado más popularidad en todo el mundo. La imagen, consistente en la palabra love en letras mayúsculas con la letra o inclinada hacia la derecha, fue creada en 1964 como tarjeta de navidad para el MoMA. En 1973 el Servicio Postal de los Estados Unidos puso en circulación un sello por valor de 8 centavos que fue el primero de las varias series de sellos conocidas como love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos críticos han definido a Indiana como «diseñador», «oportunista» o «one hit wonder»



Réplica que puedes adquirir en el museo Tate de Londres : aquí

 Indiana no pudo registrar los derechos de autor de LOVE y por ello ha encontrado muchas facilidades para introducirse en el mundo del arte. La imagen ha sido reproducida y parodiada en innumerables ocasiones en esculturas, carteles y adornos de escritorio en varios idiomas, entre ellos el español, el hebreo y el chino. La obra tuvo una fuerte influencia en la portada del libro Love Story de Erich Segal y se han utilizado variaciones sobre ella en portadas de discos de grupos musicales, como en la de Renegades de Rage Against the Machine y la del sencillo Little by Little de Oasis. Asimismo, otros artistas plásticos han realizado obras inspiradas en la imagen.

Escultura en la Sexta avenida de Nueva York

MUERE TÁPIES A LOS 88 AÑOS.

Pintó hasta el final, aunque sus manos estuvieran temblorosas_y su vista deteriorada. Antoni Tàpies, el último gran artista del siglo XX, ha fallecido hoy a los 88 años. Muere un año y medio después de inaugurar la remodelada Fundación Tàpies, su último gran acto público, en el que su estado de salud ya era bastante precario: le costaba andar (siempre tenía que ir acompañado del brazo por su mujer Teresa) y apenas podía oír.
A pesar de su delicada salud, cada verano Tàpies se refugiaba en su casa del Montseny, en medio de la naturaleza, donde seguía produciendo lienzos y lienzos. Cuadros matéricos, que bebían directamente del informalismo de los 60, pero absolutamente vigentes en pleno siglo XXI. Después, esos lienzos los exponía en su tradicional muestra otoñal en la galería de su hijo, Toni Tàpies.
Nacido en el seno de una familia burguesa, Tàpies pronto demostró su talento pictórico, aunque fue un joven enfermizo y con una frágil salud: una enfermedad pulmonar le obligó a una larga convalecencia en el diversos sanatorios y en su propia casa, donde leía y pintaba sin cesar, casi compulsivamente, haciendo copias de Van Gogh y Picasso.

Dictadura y revolución

Durante la dictadura, Tàpies frecuentó los ambientes más vanguardistas de la gris Barcelona y fundó con otros artistas la revolucionaria revista Dau al Set. El poeta Joan Brossa (que creó el nombre del grupo y la revista), el filósofo Arnau Puig, los pintores Joan Ponç, Modest Cuixart y Joan-Josep Tharrats. Tàpies era el último superviviente de la generación de Dau al Set.
Sus pinturas pasaron de la mística a lo matérico y en los 60 se lanzó a un informalismo desacomplejado. Porque en su revolución pictórica –más acorde con los movimientos europeos– Tàpies introdujo el uso de materiales pobres en los lienzos: desde calcetines (sus famosos calcetines, protagonsitas de tantos lienzos) a alambres (que coronan la fachada de su Fundación, en pleno centro de Barcelona, con la pieza 'Nube y silla') o barro y demás elementos de la tierra. Llevó la abstracción a otra dimensión con una fuerte carga filosófica y simbólica, estampando cruces y demás iconos que se han convertido en su seña de identidad.
Profundamente influenciado por el budismo y las religiones orientales, Tàpies imprimió a su producción una espiritualidad no exenta de crítica política: su etapa más oscura y negra corresponde a la represión dictatorial. Tàpies no se limitó solamente a la práctica pictórica (y a las facetas de escultor, dibujante y grafista) pues a lo largo de su vida escribió siete libros y ensayos artísticos que juntos suman más de 1.500 páginas.

VÍA:EL PAIS

Marcel Duchamp. Anemic Cinema (1926)

La única película dadaísta-experimental de MARCEL DUCHAMP consiste en una serie de juegos de palabras con frases sin sentido escritas alrededor de patrones de espirales que rotan, creando un efecto casi hipnótico (varias versiones fueron hechas en 1920, 1923, y finalmente, en 1926).

Esencialmente es una película de Duchamp con ayuda de Man Ray. Calvin Tomkims: “Duchamp usó el pago inicial de su herencia para realizar la película y para entrar en el negocio del arte.”  La película, filmada en el estudio de Man Ray con ayuda del cinematógrafo Marc Allégret, era una animación de siete minutos de puros juegos de palabras de Rose Sélavy. Estas habían sido pegadas, letra por letra, en un patrón espiral en discos negros que fueron pegados a discos de fonógrafo; los textos lentamente giraban alternándose con tomas de los Discs Bearing Spirals de Duchamp, diez diseños abstractos que giraban haciendo parecer que se movían hacia delante y hacia atrás en un ritmo erótico. La pequeña película, la cual Duchamp llamó Anemic Cinema, tuvo su estreno ese Agosto en un sala privada de París.

IMAGEN DEL DÍA

Joven delante de un espejo, 1932

Óleo sobre lienzo, 162x130 cm.

Nueva York, The Museum of Modern Art.

 

El momento decisivo para la “Joven delante de un espejo” fue probablemente el amor de Picasso por la sensual Marie Therése Walter. De todos sus cuadros procedentes de los comienzas de los años 30 es el más suntuoso y de mayor cuidado por los detalles, al fundir un colorido luminoso, motivos decorativos y trazos descriptivos y expresivos con otros fríamente analíticos. Tradicionalmente, el motivo de la mujer delante del espejo es un símbolo de “vanidad”, en su aspecto tanto moral como temporal. En Picasso predomina la idea de la superioridad del pintor, capaz de crear un cuadro más duradero que el espejo.

La muchacha no sostiene el espejo como un atributo, sino que lo abraza como un segundo yo. Está al mismo tiempo vestida y desnuda, como si estuviera atravesada por rayos X. La forma circular del útero es un “leitmotiv” formal de este cuadro fuertemente erótico.

El artista español declaró: " La pintura es más fuerte que yo, me hace hacer lo que quiere".

VÍA: http://calamandayledesesperedegustavecourbet.blogspot.com

EL ALFABETO 2

Caracterización de las letras del alfabeto en Helvetica,  animados mediante una representación visual de las palabras que comienzan con cada letra

                                 The Alphabet 2 from n9ve on Vimeo.

A Love Story from JW Griffiths

Ganador del concurso de cortos de Nokia de este año.

By: Splitscreen: A Love Story from JW Griffiths on Vimeo.

El 'pop art' pierde a su inspiración

Just what was it that made yesterday's homes so different, so appealing? (1992)

Fallece a los 89 años el británico Richard Hamilton, considerado como el pionero de esta tendencia artística, pero también un creador de una impresionante producción marcada por el humor y la crítica a su tiempo.

El británico Richard Hamilton, considerado el padre del pop art, falleció ayer a los 89 años, según informó lacónicamente la galería Gagosian de Nueva York, que llevaba su obra. El responsable de esta galería, Larry Gagosian, lo describió como el “pionero” del pop art”, un calificativo extendido entre los expertos que a Richard Hamilton aburría. “Aunque me interesé por el fenómeno pop, nunca me sentí asociado a ese término, que utilizaba para describir a Elvis Presley y la imaginería vulgar estadounidense de helados y hamburguesas”, dijo en una ocasión a la cadena BBC.

Conocido por su sentido del humor y por el uso de las nuevas tecnologías, Hamilton es autor de una extensa obra, desde unas primeras piezas que presagiaban lo que luego vendría con Andy Warhol y Roy Lichtenstein, hasta otra más reciente, de tintes políticos y hasta panfletarios.

En el momento de su fallecimiento, el artista preparaba una retrospectiva para ser exhibida desde 2013 en varias ciudades, entre ellas Los Ángeles y Madrid, después de la que llevó a la galería Serpentine de Londres el año pasado, La moral moderna importa.
En 1956 Hamilton había presentado en otra galería londinense el fotomontaje ¿Qué es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas?, considerada la inspiración del pop art que posteriormente cultivaron creadores como Warhol, Lichtenstein o Robert Rauschenberg. En blanco y negro y con tonos de color, aparecen una mujer tumbada en un sofá, con una lámpara a modo de sombrero, y un culturista con un gran chupa-chups con la palabra “pop”, ambos rodeados de aparatos icónicos en los 50 como un televisor y una aspiradora.

A little bit of Roy Lichtenstein for ... (1964)

Adonis in Y fronts (1963)

My Marilyn (1965)

Just what is it that makes today's homes so different? (1992)

El pop art era, según lo definió Hamilton, algo “popular, efímero, fungible, de bajo coste, producido en masa, ingenioso, sexy, joven, efectista, glamouroso y un gran negocio”.

Las reacciones ante su muerte coinciden en señalar que Hamilton fue un artista con mucha influencia en varias generaciones, también gracias a su larga etapa como docente en el Royal College of Art londinense. “Fue uno de los artistas más influyentes y destacados del período de posguerra”, opinó Nicholas Serota, director de la Tate Gallery. Hamilton “produjo series exquisitas de pinturas, dibujos e impresiones que abordan temas como el glamour, el consumismo, la mercancía y la cultura popular”, aseguró Serota.

Entre otras, es conocido por obras como Homenaje a la Chrysler Corporation o Pin-Up, además del White Album, una carátula de color blanco que añade solo el nombre de los Beatles y es, para muchos, el mejor disco del cuarteto de Liverpool. Ese doble álbum es el único disco de los Beatles donde no aparece una foto de los músicos.

Pero Hamilton, uno de los máximos conocedores de Duchamp, dejó atrás una impresionante producción que abarca más de medio siglo. En su última época, el contenido político de sus piezas era más evidente, con obras dedicadas al conflicto norirlandés, un televisor donde aparecía Margaret Thatcher o un cuadro sobre la invasión de Iraq. En este último, Shock and Awe, se veía a Tony Blair, ex primer ministro británico que apoyó esa guerra, disfrazado de cowboy y a punto de desenfundar su pistola.

Otro mito ha muerto pero deja un legado artístico de incuestionable importancia. Gracias por su gran aportación al arte Hamilton.

Vía: http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/1063889/fallece/los/anos/richard/hamilton.html

FREE AI WEIWEI

El patio de Somerset House (Londres) presenta hasta el próximo 26 de junio la instalación del artista chino Ai Weiwei, Circle of Animals / Zodiac Heads. Es la primera vez que este histórico lugar acoge una exposición de escultura contemporánea, a cuya inauguración no ha podido acudir Weiwei por encontrarse detenido en alguna cárcel china desde el pasado 3 de abril, cuando las autoridades de aquel país lo arrestaron en el aeropuerto de Pekín.
La instalación está compuesta por 12 cabezas de animales forjadas en bronce que recrean las esculturas del zodíaco chino que en su día adornaron la fuente del Yuanming Yuan, refugio imperial de Beijing.
Circle of Animals / Zodiac Heads es parte de un tour internacional que comenzó en Nueva York y que la llevará por diversos países de todo el mundo.
El CAC Málaga se une al movimiento que se ha creado en todo el mundo para pedir la liberación de Ai Weiwei, a quien dedicó todos los actos organizados el pasado sábado 14 de mayo durante la celebración de la Noche en Blanco.
Free Ai Weiwei.

Ai Weiwei – Circle of Animals / Zodiac Heads
Somerset House (Londres)
Hasta el 26 de junio

MÁS INFORMACIÓN AQUÍ: http://www.somersethouse.org.uk/visual-arts/ai-weiwei-circle-of-animals-zodiac-heads

ROTHKO

YAYOI KUSAMA Y PUNTO

Yayoi kusama en el Reina Sofia, Madrid.

Fechas: 11 de mayo - 12 de septiembre de 2011
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1

La artista japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, 1928) desempeña un rol crucial en el arte de posguerra desde una posición excéntrica. De un lado, se aproxima al pop, a los nuevos realismos y al feminismo en sus instalaciones y faceta pública; de otro, su empleo de la repetición, del monocromo y de la retícula tienen que ver a la vez con la obsesión y la enfermedad mental. Esta exposición muestra a Kusama como una artista irreductible y esencial en las nuevas narraciones globales del arte contemporáneo.

Lunares, espejos, colores, y falos conforman el fantástico mundo de Yayoi Kusama (Nangano, 1929). El Museo Reina Sofía ofrece una completa retrospectiva de esta artista, considerada una de las creadoras japonesas vivas más relevantes, y un torrente de creatividad que ha intentado siempre romper moldes.

La muestra incluye además varias instalaciones de gran formato como 'I'm Here, but Nothing' (2000), o una nueva representación del espacio infinito, en Infinity Mirrored Room - Filled with the Brilliance of Life (2011), montaje diseñado expresamente para esta ocasión.

Esta muestra organizada en colaboración con la Tate Modern de Londres- su comisaria es Frances Morris, responsable de colecciones de la Tate Modern- recorrerá algunos de los principales centros de arte: Centre Pompidou de París (del 19 de octubre de 2011 al 9 de enero de 2012), Tate Modern de Londres (del 25 de enero al 27 de mayo de 2012) y Whitney Museum de Nueva York (de junio a septiembre de 2012).

Mientras tanto, el visitante del Museo Reina Sofía podrá realizar un viaje en el tiempo y recorrer, a través de una serie de ambientes, toda la obra de Kusama, de la mano de sus_dibujos, pinturas, collages esculturas, instalaciones, películas y performances.

Entre las principales obras que se exhiben, destaca una selección de sus primeros trabajos en papel, rara vez expuestos; series cautivadoras menos conocidas, como los collages fotográficos alucinógenos que creó al regresar a Japón (1973); sin olvidar sus proyectos más elogiados y significativos, como los 'Infinity Net' (1960-1970) o las 'Accumulation Sculptures' (1960-1965).

Viajar al espacio infinito
Una de las obsesiones permanentes de Kusama es la representación del espacio infinito. En su larga trayectoria artística, la autora ha mantenido su exploración de este campo hasta conseguir un efecto mágico en sus 'Infinity Mirror Rooms'. En 1965 creó la primera de estas instalaciones a gran escala denominada Infinity Mirror Room - Phalli's Fiel. Infinity Mirrored Room - Filled with the Brilliance of Life es el nombre del montaje que Kusama ha diseñado expresamente para la exposición del Museo Reina Sofía y en el que los espectadores pueden internarse y explorar.

Asimismo, el Museo Reina Sofía exhibe por primera vez las obras creadas entre 2009 y 2010, la mayor serie de cuadros de la artista hasta la fecha. Con un lenguaje visual, que recuerda a sus orígenes lleno de flores, ojos, puntos y redes.

"La trayectoria de Kusuma será necesariamente un relato que fluctúe entre Oriente y Occidente, un relato de diálogo, de intercambio y ruptura", explica Francis Morris y recuerda los orígenes "rurales" de la artista y su "rebeldía" contra las convecciones desde muy joven.

Orígenes humildes
Así, los primeros cuadros de Kusama reflejan el estado catastrófico en el que quedó Japón tras la II Guerra Mundial, no sólo por su temática apocalíptica, sino también por el uso improvisado de los materiales. Ante la imposibilidad de conseguir pinturas, Kusama experimentaba con pinturas domésticas corrientes mezcladas con arena
y empleaba sacos de semillas del negocio de sus padres en lugar de lienzos.

"Desarrolló un estilo colorido y muy animado, con trazos de un lirismo espontáneo y un tipo de dibujos inconfundibles-- los lunares de Kusama, que constituyen su sello característico, tienen su origen en estas obras de papel-- e ideó un vocabulario de formas orgánicas microscópicas y biomorfas", explica Frances Morris.

A mediados de los cincuenta Kusama empezó a establecer vínculos con Estados Unidos, hasta que en 1958 se trasladó a vivir a Nueva York. En esa época comienza a pintar sus famosos Infinity Nets, un conjunto de lienzos de gran formato que muestran abiertamente su proceso de creación.

Cuando empezaba a disfrutar de cierto reconocimiento por sus cuadros en Estados Unidos y Europa, Kusama volvió a cambiar de táctica y comenzó a trabajar en sus primeras esculturas. Arraigadas en la técnica obsesiva de Infinity Nets, las llamadas 'Accumulation Sculptures' incluían elementos cotidianos cubiertos por una proliferación de formas repetidas.

Muebles, ropa y falos
En los primeros ejemplos, Kusama recubría las superficies de diversos objetos domésticos como muebles, ropa y accesorios con múltiples falos de tela rellenos y cosidos. En esta época expuso junto con obras de Andy Warhol, Claes Oldenburg, George Segal y James Rosenquist.

En 1973, Kusama regresó a Japón. Tras un intento fallido, unos años antes, de presentar los happenings en los que aparecía desnuda al conservador público de Tokio, se dedicó al negocio del arte pero su proyecto fracasó.

En 1977 su vulnerabilidad física y psicológica la llevó a internarse voluntariamente en el hospital que sigue siendo su hogar a día de hoy. Desde la calma y la seguridad relativas de su vida en el hospital, Kusama lanzó su carrera literaria. A partir de 1978 desarrolló esta faceta en paralelo a su producción artística y publicó numerosas novelas, una colección de poesía y una autobiografía.

En su nuevo hogar, la artista volvió a la escultura y a crear objetos a mano. El tamaño de los distintos objetos que elaboraba era pequeño, pero los combinaba para crear grandes instalaciones de varias piezas. 'The Clouds' (1984) se compone de cien almohadones rellenos cosidos con diferentes formas y pintados en blanco y plata.

En los ochenta y noventa, Kusama volvió a pintar. Comenzó a experimentar con cuadros de varios paneles que sugieren una expansión ilimitada del campo visual. Evocan mundos microscópicos o macroscópicos con patrones abstractos repetidos que recuerdan a las imágenes biológicas o astronómicas.

A finales de los noventa, tras un paréntesis de casi treinta años, Kusama volvió a crear instalaciones de gran envergadura. 'I'm Here, but Nothing' (2000) es un interior doméstico oscurecido con accesorios y muebles sencillos y anodinos.

La imagen de estabilidad burguesa que podría suscitar esta escena, se convierte en algo surrealista y extraño en la instalación de Kusama. Los puntos adhesivos fluorescentes brillando en la luz tenue  y cubriendo la habitación y todos sus muebles, pueden entenderse como una simplificación visual de los episodios alucinatorios de la artista.

Más información aquí: http://www.larazon.es/mediateca/multimedia/108517